12 Principios de la Animación

Toda profesión u oficio requiere de reglas básicas o por lo menos de un lenguaje común para unificar algunos criterios. En la mayoría de los casos, existe una guía elemental que permite el desarrollo de esa actividad, facilitando el camino a las nuevas generaciones. Esa guía, que ha sido plasmada por quienes la experiencia les ha permitido innovar y desean transmitir ese conocimiento. La animación no escapa de esto, aunque siempre se busque renovar en esta industria, es importante mantener algunos aspectos y respetarlos tanto si hacemos animación tradicional cómo si somos una empresa de motion graphics en España, nuestro deber es conocer los principios que rigen nuestro oficio.

¿Cuáles son los 12 principios de la animación?

Es así como en el año 1981, los animadores Ollie Johnston y Frank Thomas de Walt Disney Animation Studio, presentaron su libro The Illusion of Life: Disney Animation. En esta obra, recopilaron la experiencia obtenida en los estudios Disney desde el año 1930. Desde entonces, se le ha considerado una de las principales lecciones a impartir entre los animadores que inician su camino en este fascinante mundo.
Este gran legado nos ha dejado con 12 principios de la animación que debe seguir toda historia animada, por lo menos en su concepción tradicional y que permite su adecuación a la animación 3D. Sin más dilación pasemos a ver cada uno de estos principios.

Estirar y encoger/ Compresión y extensión (Squash & stretch)

Este principio agrega la idea de peso y flexibilidad. Estirar y encoger consiste en deformar el objeto de animación logrando incrementar la sensación de movimiento. A su vez se crea un efecto más cómico o dramático.

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Estirar y encoger

Anticipación (anticipation)

La anticipación ayuda a guiar la mirada del espectador a donde está a punto de ocurrir una acción. En otras palabras, se prepara al observador para una acción lo que hace a la realización más realista. Así tenemos que, a través de esta técnica, se busca mantener expectante a la audiencia.

 

Anticipación

Puesta en escena (staging)

Entre los 12 principios de la animación, este está dirigir o definir lo más importante en el campo de visión del observador. Esto puede hacerse usando luces, sombra, recuadros, entre otros. El objetivo es dejar clara la idea de lo que sucede en el escenario.

Puesta en escena

Animación directa y pose a pose (Straight ahead & pose to pose)

Son dos técnicas de animación diferentes. La directa implica dibujar una escena cuadro por cuadro de principio a fin. Crea una ilusión de fluidez y dinamismo en el movimiento, permite producir secuencias realistas, aunque se dificulta mantener proporciones y perspectivas precisas.
Mientras la de pose a pose implica empezar el proceso de dibujo de los cuadros o poses clave y posteriormente llenando los espacios.

 

Animación directa

Acciones complementarias y superpuestas (Follow through & overlapping)

Son técnicas de animación estrechamente relacionadas, ya que ayudan a darle realismo al movimiento y proporciona la ilusión de que un objeto se mueve respetando el principio de inercia.
Con la acción complementaria las piezas desligadas del objeto deben continuar su movimiento incluso después de que el objeto dejó de moverse. Mientras que la acción superpuesta, se aplica cuando los diferentes elementos del objeto se mueven de diferentes maneras, según su relación con el objeto principal y a la velocidad en que éste se mueva.

 

Acciones complementarias

Acelerar y desacelerar/Entradas Lentas y Salidas Lentas (Slow in & slow out/ Easy In – Easy Out)

En la realidad los objetos no pasan del reposo absoluto al movimiento continuo en un paso. Por el contrario, se necesitan tiempo para acelerar o disminuir su velocidad. En este sentido, se debe crear un efecto de arranque y frenado que dé más realismo.

 

Entrada y salida

Arcos (Arcs) entre los 12 principios de la animación

En el mundo real, los movimientos siguen generalmente una trayectoria circular, muy pocas cosas se mueven en línea recta, igual debe pasar en una historia animada. Sin este elemento, lo creado se sentiría rígido y mecánico. Por lo que deben crear arcos en los movimientos de los personajes.

 

Arcos animación

Acción secundaria (Secondary action)

La acción principal puede enfatizarse al agregar movimientos adicionales. La acción secundaria nunca debe marcarse más que la acción dominante, de manera que no se distraiga al espectador.

 

Acción secundaria

Sincronización (Timing)

Se refiere a los tiempos en que ocurre algo en la animación. Este elemento le agrega ritmo y emoción a la obra. Se relaciona directamente con la velocidad de la acción en la escena, es decir, determina el ritmo y duración en el que un personaje realiza la acción. Esta técnica permite crear humor y emociones en un personaje.

Sincronización

Exageración (Exaggeration)

La exageración presenta las características y acciones de los personajes en una forma extrema para lograr un efecto cómico o dramático. Con este recurso, se aumenta el atractivo emocional y exalta la narrativa. No obstante, es importante mantener armonía entre los elementos usando la técnica con un objetivo concreto.

Exageración

Dibujo sólido/solidez (Solid drawings)

Significa, representar formas dando la ilusión de volumen y peso en una pantalla plana. Para lograrlo es necesario aplicar conceptos básicos como la perspectiva, volumen, peso, equilibrio, iluminación, etc. Otro aspecto a tomar en cuenta, es que el montaje debe mantener una coherencia y ser consecuente tanto en una pose individual como con todas las que componen esa animación.

Solidez

Atractivo (Appeal)

Finalmente, el último principio, el mismo tiene que ver con lo que al final de la obra va a recordar los espectadores. Los personajes que se sienten reales, interesantes y atractivos, son los recordados, es lo que llamaríamos carisma del personaje. Lo que se busca es que el público conecte con esos personajes. Después de todo, la tarea del animador es darle alma y vida a un personaje. La apariencia debe ser además sólida y atractiva.

Atracción

Hasta aquí nos han traído estos 12 principios de la animación tradicional, que todo animador debe seguir para adaptarlo a sus necesidades y a lo que busca transmitir. Este legado, que dejaron grandes de la animación no debe tomarse como reglas inquebrantables, por el contrario, deben ser una guía que permitirá obtener los mejores resultados posibles. Además, no hay que perder de vista que la tecnología avanza y en esa medida habrá que tener la mente abierta para adaptar y reinterpretar estos principios a los nuevos tiempos.

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